El próximo martes 24 de abril a las 21 horas tendrá lugar la presentación del 5º Fanzine FIESTAFIESTA en el Bufalino (Calle Puebla, 9. Madrid).
Se presentará el trabajo de David Hornillos, ex-alumno de BlankPaper Escuela en Madrid y miembro del colectivo Fotoaplauso. David afianza su discurso en la Estación de Atocha (primero fue Príncipe Pío) y consolida su universo fotográfico con la novedad de un color muy contundente.

Via blog de BlankPaper.

©Photographs by David Hornillos.

SHS Publishing, editorial con sedes en Barcelona y Berlín en conjunto con la Asociación Cultural Strativari, organizadores de la edición original, presentaran una exposición de 120 libros seleccionados por el comisario Emilio Macchia (Jan van Eyck Academie – Maastricht).
Creado en Ravenna (IT), su nombre se debe a su origen: +39 es el código telefónico internacional de Italia. Farenheit 39 se presenta por primera vez en Barcelona. La selección contiene pequeñas ediciones y ejemplares únicos, trazando un mapa del estado actual y del rumbo futuro del diseño editorial italiano.

Sumado a esto, SHS Publishing presentará varios de los títulos de su ocurrente catálogo. Fundada por los italianos Luca Bendandi y Matteo Cossu, la editorial opera como una red de creativos dispersos por ciudades como Toronto, Nueva York, Rotterdam, Milán, Barcelona y Berlín. Su colectivo de autores presentará también sus obras a través de una pared / infografía de proyectos y ligazones intelectuales y espaciales.

Los temas tratados en los Fahrenheit 39, van desde el diseño, la tipografía, moda, arquitectura, temas más técnicos y de aprendizaje como serigrafía, o bicicletas a piñón fijo. Durante los cuatro días del festival, las conferencias se complementarán con eventos en directo: música, talleres, video performance, charlas. También habrá una actividad inesperada: un workshop de destrucción gráfica de libros.

Fahrenheit 39 es un evento único para quien está interesado en comprender el futuro del libro en papel tras la irrupción de las publicaciones electrónicas. Ya desde su primera edición en Barcelona, el festival aspira a ser una fuente de inspiración para artistas, fotógrafos, creadores de moda, ilustradores, diseñadores, estudiantes y todos aquellos subyugados por la inquietud creativa.

El festival se celebrará en Mutuo – Centro de Arte, C/ Julià Portet 5. Barcelona. Entre los días 20, 21, 22 y 23 de abril.

Más info:
Web de SHS Publishing
Evento en Facebook

Las antiguas generaciones deseaban conseguir un buen trabajo, una buena mujer con la que crear una familia y llegar a ser alguien respetado por sus más allegados.

Ahora, en pleno capitalismo, dos sociedades completamente opuestas conviven en las grandes ciudades de China. Las nuevas generaciones de chinos quieren cambiar la imagen que proyectan de sí mismos a occidente. Quieren dejar de aparentar ser robots y ser sinónimo de barato. En su lugar quieren trabajar en el mundo de la creatividad y las nuevas tecnologías.

En general, los jóvenes chinos quieren dinero, un buen coche y llegar a ser alguien poderoso. Se fijan en la imagen y el estilo de vida de occidente. Los ancianos siguen vistiendo sus camisas blancas y se reúnen para cantar los domingos en el parque.

China es hoy un país que crece de forma vertiginosa entre dos filosofías.

Esta es una selección de fotografías de la serie No Car No House:

Carne secándose bajo el sol, Guangzhou.

Centro comercial con un anuncio del actor Andy Lau, Shanghai.

Chicas lavándose el pelo en frente de una peluquería en una calle tradicional de Shanghai.

Dos muchachas en la calle Maitan, el distrito comercial de Shanghai.

Chaoyang, Beijing.

Sanlitun Village, Beijing.

Basura, gallos y ropa. Shanghai.

Las marcas occidentales de cosmética se abren paso en el mercado chino, Shanghai.

La dualidad de Shanghai.

Trabajadores de oficina hablando en un centro comercial, Beijing.

Chica perteneciente a la minoría Hui, Beijing.

Joven con un crucifijo y tupé, Beijing.

No te pierdas el alucinante vídeo de la canción china No Car No House en Youtube:

©Photographs by Albert Bonsfills.

Este proyecto lo realizó a raíz de un encargo para Le Monde 2, cuando en 2004 varios países ingresaron en la Unión Europea, entre ellos Eslovaquia. Su mirada se fija en la gente común durante sus momentos de ocio, cuando son liberados de sus responsabilidades y se mueven dentro de su propio universo.

©Photographs by Martin Kollar.

El trabajo de Alex en el que me he fijado y con el que me he quedado gratamente sorprendido es su serie Familiar. En este proyecto retrata su vida familiar mostrándonos el lado más delicado y sincero de las personas más cercanas a él, son momentos de tranquilidad y también de ternura, donde cada uno libera su verdadero yo.

©Photographs by Alex Cretey Systermans.

Le interesan las zonas periféricas, donde realmente empezaron a formarse las ciudades. Carreteras secundarias llenas de nostalgia donde sobreviven los pequeños negocios marginales, los moteles, las tiendas de coches de segunda mano, las casas de empeño y los clubs de striptease. Aquí puedes reparar el coche, comprar comida envasada o hacerte con un arma. Los turistas no vienen a visitar estos lugares, pero deberían saber que existen.

En 2011 participó en la exposición colectiva Souvenirs, organizada por la Universidad de Girona y la Diputación de Lleida.

©Photographs by Steven Brooks.

Corey ha pasado quince años trabajando como pescador en Alaska y a menudo viaja por el mundo documentando el estilo de vida de los pescadores en alta mar, todo ello lo ha recogido en el proyecto titulado Fish-Work: The Bearing Sea.

©Photographs by Corey Arnold.

Joshua presenta un proyecto que comenzó hace más de una década con el pretexto de investigar la figura de Jimmy Hoffa, un sindicalista estadounidense presidente del sindicato de camioneros y envuelto en turbios asuntos con la mafia. Este personaje tiene un cierto peso en la cultura popular americana por las misteriosas circunstancias que rodearon su desaparición y presumible muerte. Pero finalmente, su proyecto se convirtió en un registro de Meadowlands, una zona en la que el desarrollo urbano y la industria local confrontan con la propia naturaleza del lugar.

Este trabajo ha sido comparado con el de los fotógrafos de New Topographics, especialmente con Joel Sternfeld y su reciente trabajo Oxbow Archive. Pero mientras Sternfeld se centra en un proyecto donde presenta un concepto clásico del paisaje y la naturaleza, Joshua Lutz comparte una mirada más amplia incluyendo retratos llenos de fuerza, interiores y escenas urbanas. En sus retratos nos permite profundizar en las personas que llaman hogar a este lugar, se puede decir que no sienten ningun desánimo por el medio que los rodea, y se enfrentan a su destino con una actitud casi heróica.

En agosto de 2008 la editorial PowerHouse Books publicó Meadowlands en tapa dura.

©Photographs by Joshua Lutz.

Seeking Magazine: Barrio me parece un proyecto valiente y apasionante. ¿Cuándo empezaste este proyecto y cómo lo estás desarrollando desde su inicio? ¿Qué es lo que querías contar cuándo lo empezaste?

José Deconde: Barrio surge de la necesidad de desarrollar “un tema”. Quería hacer un trabajo personal, fotografiando mi entorno cercano y sobre todo sus habitantes (en el centro de Madrid) donde vivo desde hace 10 años. Pronto comprobé que no me sentía del todo identificado con esos lugares. Es más, noté cierta sensación de desarraigo. Y comprobé que echaba de menos mi barrio de origen, menos “domesticado”. De este modo comencé a indagar de un modo más directo el carácter y la personalidad de eso que tanto tratamos los fotógrafos, el extrarradio, y que para mí es parte de mi pasado.

Por tanto, mi trabajo comienza por una búsqueda sobre mi propia infancia, sobre las cosas que añoro del barrio, aunque ese camino me ha llevado a descubrir un barrio más “hondo” y también más deteriorado, tanto física como moralmente.

SM: En la fase inicial ¿tuviste en cuenta otras referencias? o ¿te sientes influenciado por el trabajo de algún fotógrafo?

JD: Al principio (antes incluso de comenzar este trabajo) me dejaba llevar de una manera casi mimética por referentes muy diferentes. Desde el cine expresionista alemán a la fotografía de calle de Garry Winogrand o William Klein. Posteriormente me enamoré de la fotografía de Cristobal Hara, Eugene Richards o de Bruce Davidson y su East 100th Street. He ido notando un mayor interés por los fotógrafos más humanistas.

Recientemente he estudiado a Fellini y creo que sus películas también me han influido un poco. Me gusta utilizar la representación en forma de, por ejemplo, disfraces, pinturas, carteles o banderas, porque en ella encuentro un modo (nostálgico) de rebuscar en mi propio inconsciente infantil aspectos relacionados con la memoria, la frustración, la desilusión o la apariencia. Me parece muy interesante la barrera entre lo representado (ilusiones) y lo real (decepción). También me interesa mucho de Fellini su visión sobre el vacío interior de sus personajes o su expresión de una profunda crisis de valores.

En mi proceso creativo creo que está siendo importante tener en cuenta referencias y seguir nutriéndome de ellas, pero también utilizar mucho mi propia intuición. Trabajar sin pensar me permite conectar con mis propias emociones y creencias. Es decir, creo que es importante huir de ese tipo de dualidades entre racionalizar tu trabajo o dejarte llevar sin pensar. Creo que ambas son vías útiles y necesarias y hay que utilizarlas según el momento. En consonancia, con mis imágenes no trato exactamente de documentar, sino de transmitir sentimientos.

SM: Tiendes a fotografiar a personas dentro de un cierto grado de exclusión social. ¿Eres consciente de este aspecto? ¿Por qué y cómo eliges a cada persona?

Comencé a sentirme cómodo visitando ciertos barrios marginales, porque descubrí que en ellos podía profundizar en los conceptos que me estaban interesando: identidad, desarraigo, crisis,… y así poder ir construyendo un mapa con la esencia del carácter de las personas que habitan esos barrios.

Pero a medida que hago fotos, voy comprobando que esa esencia la compartimos todos más de lo que pensamos. En nuestra sociedad, la verdadera crisis no es económica, sino moral. No hay valores, no tenemos un “para qué”, un sentido en nuestras vidas. Eso es para mí marginalidad y creo que existe no sólo en los barrios que llamamos marginales.

Las personas que elijo responden a algo intuido, no razonado. Creo que se produce algún tipo de conexión con ciertos sentimientos de esa persona, y en seguida siento la necesidad de captarlos. Hay personas que transmiten algo auténtico, que me cautiva. Y he de confesar que hoy por hoy esa autenticidad la encuentro en personas más humildes, o si quieres desarraigadas, social o económicamente. Y no tanto en muchas otras personas, donde lo único que veo es apariencia y mucho egoísmo, mucha falta de personalidad. Aunque sé que debajo de esa máscara se encuentran los mismos o peores miedos.

SM: Creo que la confianza es un factor importante en este tipo de proyectos. ¿Cómo consigues ganarte la confianza de las personas a las que retratas?

JD: Algo que creo que me está enseñando mi profesión (soy coach personal) es la necesidad de desarrollar la escucha activa y la empatía. La atención plena sobre la persona con la que hablas y saber ponerse en los zapatos del otro son estrategias muy necesarias cuando quieres generar confianza.

Generar confianza implica conectar con el estado emocional del otro, comprenderlo realmente y aceptarlo sin prejuicios. Para ello, además utilizo algo muy importante: el lenguaje no verbal; la actitud física en un encuentro ante un desconocido determina el éxito de la posterior relación. De nada sirve preguntar <<¿puedo hacerte una foto?>> si tu lenguaje verbal no comunica confianza y honestidad. Cuando hablo con alguien intento crear una relación entre iguales. Esta actitud me ha permitido poder profundizar en conversaciones de forma rápida con personas muy dispares.

Otro aspecto que considero necesario es no proyectar nuestros propios miedos y creencias limitantes. Pensamos que no pero a la gente le gusta que la fotografíen. Somos nosotros los que trasladamos nuestros propios mapas mentales a la otra persona.

De este modo, he conseguido conocer otras realidades y de paso crecer a nivel personal.

SM: ¿Tienes algún tipo de relación con estas personas?

JD: Uno de mis defectos es la impaciencia. Las relaciones que creo con una persona que me interesa fotografiar son efímeras. Dice un amigo que tengo la habilidad de poder “entrar hasta la cocina” y conseguir lo que quiero en muy poco tiempo. Y quizás sea cierto. Aunque me gustaría desarrollar la capacidad de profundizar en más relaciones para poder hablar desde más adentro de esas personas.

No obstante he de decir que con algunas de ellas sí se ha creado un vínculo afectivo. He seguido la enfermedad de algún niño o los problemas económicos de alguna familia. En ocasiones incluso me he sentido afectado emocionalmente por esos problemas.

SM: En el terreno de la fotografía documental en el que interviene el contacto directo con la gente y el entorno que les rodea, el fotógrafo tiene que lidiar con diferentes situaciones, hay que estar alerta, ser amable con la gente pero a la vez prudente. ¿Te resulta fácil manejar estas situaciones y las emociones que fluyen?

JD: Supongo que te refieres a si he tenido algún problema en la calle con alguien. Realmente nunca he tenido un problema serio, aunque me he encontrado con personas bastante reacias.

Tienes toda la razón, hay que combinar amabilidad y prudencia, y no es fácil encontrar el equilibrio. Cuando hago fotos trato de ser respetuoso pero reconozco que si veo la foto que quiero, no puedo pararme y esperar a que el otro me de permiso. Hago muchas fotos “robadas”, muchas veces no me ven, y cuando lo hacen hay varios recursos que me funcionan muy bien: una buena sonrisa, una explicación razonable, o jugar al despiste.

Lo que no hago casi nunca es huir de las situaciones. Si veo que alguien me mira mal, en lugar de darme la vuelta me acerco para calmar los ánimos, esto me da seguridad y normalmente me gano la confianza de la otra persona. Le haga o no una foto, puedo seguir trabajando tranquilo.

Cada persona es un mundo y con cada una adapto mi actitud. Mi primer trabajo fue de vendedor de libros a domicilio y lo de salir a la calle es un poco parecido… a puerta fría… en ambos casos creo que hay que ser un poco actor y saber interpretar el papel que toca dependiendo de la persona que tengas delante (con empatía).

SM: En algunas de tus fotos percibo una sensación de fragilidad, como si algo estuviera a punto de desvanecerse. En cambio otras me transmiten soledad. ¿Crees que tu proyecto habla sobre la desesperación y el dolor del ser humano?

JD: Creo que sí hay un dolor y un resentimiento contenido en mis imágenes. Fruto de sueños rotos, de expectativas incumplidas, de ilusiones desbaratadas. Quizás sea un sentimiento de decepción. Sin embargo, creo que existe también una sensación de orgullo y dignidad, que son los que percibo en las personas que me encuentro en la calle. Personas con carácter aunque frágiles. Creo que estos sentimientos los percibo porque en realidad los comparto.

Una de las cosas que más me está gustando de este trabajo es poder romper con mis propios prejuicios. Hablar con un gitano en una chabola o con un yonki puede ser una experiencia muy interesante. Porque descubro rápidamente a la persona y la humanidad que desprenden. Descubro que no somos tan diferentes unos de otros. Mi trabajo no quiere hablar de yonkis ni de gitanos. Quiere hablar de personas, de seres humanos que pelean por un hueco. Que buscan su propia identidad.

SM: Digamos que los lugares y la gente que aparecen están dentro de un entorno crudo, lejos de cualquier comodidad. ¿Crees que estas personas están de alguna manera marcadas por este entorno?

JD: Hay algo que me llama mucho la atención. Muchos de los barrios pobres de nuestra ciudad tienen espacios abiertos y arena. Esta arena me recuerda mucho a los descampados donde solía jugar de pequeño. Los niños jugábamos en la calle al igual que lo siguen haciendo en estos barrios. Ese aspecto me conmueve.

Muchas personas viven en casas bajas, y conviven con sus vecinos, existe todavía un sentimiento de comunidad, de pertenencia a un grupo. Conozco colonias donde la mitad de sus habitantes son familiares. Esto para mí es muy interesante porque me conecta con mis propios recuerdos del barrio donde yo crecí, donde todos nos conocíamos.

Si te fijas bien en las imágenes, el entorno no está muy definido: mercadillos y ferias, paredes pintadas o carteles puede haber casi en cualquier barrio. Quizás me equivoque por estar demasiado dentro pero no veo un entorno (físico) del todo crudo. De hecho, algunas imágenes están tomadas en el centro de Madrid, aunque no lo parezca.

Tengo un mapa de la ciudad en mi casa, donde pego imanes de los lugares donde hago fotos. Te aseguro que no hay demasiadas zonas de la capital que no formen parte de este trabajo. Lo que me lleva a pensar que esas emociones y sentimientos que expreso pueden ser más comunes a todos de lo que pensamos.

SM: Cuando termines el proyecto ¿te gustaría hacer un libro?

JD: Me encantaría. De hecho ya llevo hechas dos pruebas a modo de maqueta, sólo para ver qué me dicen las imágenes puestas en página. También he hecho una proyección para ir probando.

Me interesa mucho la fotografía en formato de libro. Es más, casi no la concibo de otra manera desde el momento en el que para mí la fotografía consiste en narrar y transmitir. El libro te permite generar secuencias, estructuras, silencios, juegos y diálogos entre imágenes, ritmos y latencias, se puede “jugar” con las emociones del lector, se pueden dar saltos, jugar con los formato. Eso no se ve en una exposición o en una proyección, eso es otra cosa.

Me encantaría tener la capacidad de dar forma a esto. Aunque de momento, afortunadamente, todavía me queda motivación para seguir profundizando en este tema.

Entrevista realizada por Andrés Medina.
©Fotografías de José Deconde.

Este proyecto se centra en las percepciones de lo que es natural, pero también es un intento de explorar lo que EO Wilson denominó la condición humana de la “biofilia”, encontrar algún lugar en el que uno se sienta natural sin saber por qué. En los últimos cinco años Andy pasó muchas horas caminando por el Heath. Con este conjunto de imágenes ha intentado transmitir algo que estaba buscando y lo que encontró.

The Heath ha sido galardonado recientemente como uno de los mejores libros del año 2011 por Photo-eye.

©Photographs by Andy Sewell.